Crítica: “Cazuza – Pro dia nascer feliz – O Musical” não alivia barras nem emoções

“Todo dia a insônia me convence que o céu faz tudo ficar infinito!” Cazuza

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A trajetória de Cazuza já foi contada em cinema, livro e televisão, e agora chega ao teatro com o musical “Pro dia nascer feliz”, mas é inegável que a melhor montagem da vida do protagonista foi feita por ele mesmo no contato diário com pessoas e sentimentos que transformou em canções. O próprio Cazuza afirma que “no final tudo vira letra de música”, ao conciliar-se com o namorado Serginho em uma das muitas brigas apresentadas no espetáculo.

Aliás, um dos maiores acertos do musical é não aliviar a barra para seu herói, como o próprio sempre fez questão. Preferia ser “amado por uns e odiado por outros como Caetano” do que “amado por todos como Roberto Carlos”. Além da persona pública explosiva, tendente a chiliques, esculhambações e agressividades, fica clara a ternura de Cazuza nos atos subliminares, nas palavras doces ditas em meio a ameaças, no humor inteligente e ágil usado para enfrentar a morte, na flexibilidade das ideias em contraposição à rispidez dos modos, e a comoção final a um personagem que tinha tudo para soar antipático é a catarse de uma vida legada à integridade, sem meios termos ou poucas palavras.

5 Músicas Cantadas Por Grande Otelo

“Queiram-me assim.
Tenho sorrido apenas.
E o mais certo é sorrir” Hilda Hilst

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Nas palavras de Herivelto Martins, Grande Otelo tinha “mania de compositor”. O pequeno Sebastião Prata que nasceu em Uberlândia transformou-se num dos maiores atores cômicos do Brasil, e morreu como o inconfundível Grande Otelo no aeroporto de Paris, quando se preparava para receber uma homenagem. Imortalizado na alma brasileira de Mário de Andrade, ao interpretar Macunaíma no cinema e receber o prêmio de melhor ator, Otelo também se destacou como cantor e compositor de grandes sambas.

Praça Onze (samba de carnaval, 1942) – Herivelto Martins e Grande Otelo
Em 1941, quando ficou sabendo da intenção da prefeitura de demolir a Praça Onze, abrigo dos desfiles das escolas de samba do Rio de Janeiro, Otelo indignou-se e escreveu versos românticos e tristonhos sobre o fato. Então levou a letra para músicos como Wilson Batista, Max Bulhões e Herivelto Martins, a fim de que a musicassem. Nenhum deles se interessou muito, mas o azar de Herivelto era que esse o via todo dia, pois os dois trocavam-se juntos no Cassino da Urca. Herivelto dizia que não cabia samba naquela letra, pois o que Otelo tinha escrito era um romance, com versos do quilate de “Oh Praça Onze, tu vais desaparecer”. Eis que devido à insistência diária do noviço compositor, Herivelto irritou-se e começou a cantar de improviso versos sambados, dizendo para o humorista: “O que você quer dizer é isso: vão acabar com a Praça Onze, não vai haver mais escola de samba, não vai…”, Otelo empolgou-se e começou a escrever ali mesmo os outros versos da canção, enquanto Herivelto tocava a melodia no violão. Quando ficou pronta, a música foi gravada pelo Trio de Ouro com a companhia de Castro Barbosa, e trouxe na execução uma novidade inventada por Herivelto e que fez grande sucesso entre os foliões, o uso do apito para dar ritmo. Todos que sentiam a perda da Praça cantaram e dançaram na avenida a música que dividiu o prêmio de melhor samba do ano de 1942 ao lado da clássica “Ai que saudades da Amélia”, de Ataulfo Alves e Mário Lago. Grande Otelo ria como fazia rir, apesar da tristeza pela perda da praça, ele conseguiu o que queria.

Zé Wilker: o imortal Vadinho

“Quero
Ser o riso e o dente.
Quero ser o dente
E a faca.
Quero ser a faca
E o corte.
Em
Um só beijo
Vermelho.” Tom Zé

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Dois dos personagens mais marcantes da carreira do ator José Wilker protagonizaram triângulos que se não eram exatamente amorosos são certamente cheios de humor. O papel título conseguido na novela “Roque Santeiro” e a interpretação de Vadinho na primeira versão cinematográfica de “Dona Flor e Seus Dois Maridos” exploram o absurdo da existência com pouco ou nenhum grau de profundidade.

Era aí que Zé Wilker deitava e rolava. Pois de uma forma sisuda, elegante, contida, sempre aproveitava as brechas para explicitar o cinismo, desencanto e ironia com que assistia a vida. E assistia do lado de dentro do copo, com uma predileção pela maneira pop de caminhar sobre os trilhos da mídia de grande massa em elementos descombinados, espalhafatosos na cor dos óculos e dos sapatos, rindo do culto à afetação, aos maneirismos.

Crítica: peça “Humor”, do grupo Quatroloscinco, é melhor quando não se explica

“Dever de legisladores e magistrados
de cuidar pelo interesse sobre a literatura
e princípios de… bom humor…” Ezra Pound

Humor

Com texto próprio o grupo “Quatroloscinco – Teatro do Comum” se propõe a desvendar e apresentar os enigmas que emergem da palavra “humor”, título da nova empreitada. O trabalho dos atores é notável, assim como a montagem de cenário, trilha sonora, figurinos e os criativos efeitos visuais, como penas que voam de travesseiros e até da boca do médico. A construção em prosa com floreios à poesia se vale de excelentes ironias, como as direcionadas aos profissionais das áreas de saúde, direito e das artes cênicas, e a proposital mistura entre real e imaginário chega, de fato, a confundir a plateia, neste que é certamente o principal mérito da encenação.

O único porém fica por conta do excessivo monólogo que o intérprete de Amadeu trava com o público. Na tentativa de relativizar ele expõe uma opinião que é, justamente, objetiva. Isto empobrece a principal magia do teatro, jamais centrada na auto-explicação, mas sim no auto-entendimento de cada espectador. As imagens formadas na menção de pombos, cactos, cartas não recebidas, entre outras, contribuem para o clima árido a contemplar a cena, enquanto esta se debate com a caricatural chancela imprimida pelas personagens, seus artefatos e afetações. A irreverência e imprevisibilidade da trama como um todo merece destaque.

Crítica: peça “Pas de Deux para 2 mulheres” é comovente obra-prima

“Deixe então perecer sua esperança; e minha alegria esmorecer no deserto; avance nua.” Virginia Woolf

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Dizer que a peça “Pas de Deux para 2 mulheres” é baseada, além de em três textos de Virginia Woolf, na vida da escritora inglesa soa quase como uma redundância. Afinal a artista se entregou ao ofício como à própria vida, que refratava e auxiliava na difícil missão de permanecer, seguir, quando os impulsos de abandonar o mundo eram vários, constantes, diários. Foi em diários, contos, romances e peças entre um modelo e outro, a exemplo da preferência em contestar a exatidão das biografias, que Virginia escreveu um dos capítulos mais marcantes, inquietos e emotivos da moderna literatura. A frouxidão do tempo, do espaço e da condição humana aparece na obra “Orlando”, em que a personagem atravessa séculos e gêneros.

Ao passo em que “Mrs. Dalloway” centra-se na questão da memória, do vazio existencial e das pesadas correntes do passado. Entre uma e outra, um cachorrinho, personagem central de “Flush”, que fará o papel de aproximação e distanciamento entre as duas protagonistas, vividas, na peça, por Andréia Gomes e Luciana Veloso. O desempenho das intérpretes é arrebatador, do começo ao fim, e, por incrível que pareça, cresce à medida que o enredo se desenvolve, deixando no espectador a sensação de extensa proximidade com aquelas vidas, a ponto de não querer que elas se dissolvam ao cerrar das cortinas, aqui invisíveis, como tantas coisas que só se percebem no espetáculo, a partir da magia improvável do bom teatro.

As Músicas Que Clodovil Cantou

“Em assuntos de vital importância, o estilo, e não a sinceridade, é o verdadeiramente vital.” Oscar Wilde

Clodovil

O falar empolado e as idiossincrasias da personalidade tornaram Clodovil uma figura caricata. Infelizmente, a imagem que cristaliza o tempo nem sempre é a mais próxima da realidade. Estilista consagrado, após estrondoso sucesso passou a se dedicar menos à alta costura e mais àquilo que considerava a realidade da maioria da população de seu país, oposta à dele, já incorporado a uma privilegiada minoria da elite financeira do Brasil. Astuto, Clodovil tanto se ofereceu às artes como estas a ele. Criou moda para peças teatrais e filmes.

Nos palcos não apenas interpretou personagens, inclusive na televisão, quase unicamente sendo o próprio ou algo muito próximo disto – com algum disfarce de troca de nome, quando muito – como se deleitou a soltar a voz com o rigor e a elegância que pautaram suas costuras e alfinetadas, em canções tarimbadas. Além da pecha de barraqueiro, polêmico e briguento, alcunhas construídas pelo apresentador ao longo dos anos em programas muito populares, Clodovil foi um homem com talento e dom para a cultura e a arte.

Crítica: peça “Lampião e Lancelote”, com Cassio Scapin e trilha de Zeca Baleiro, oferece atrativos para crianças e adultos

“Se as coisas são inatingíveis
Ora…não é motivo para não querê-las
Que tristes os caminhos
Se não fora a presença distante das estrelas.” Mario Quintana

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Inspirada no livro de Fernando Vilela, a peça “Lampião e Lancelote” é um exercício de fantasia que permite refletir sobre aspectos básicos da trajetória humana. O mítico encontro entre uma personagem real e outra lendária, acentuando-se, no entanto, que ambas tornaram-se parte do folclore de suas terras, é, por si só, interessante. Afinal percebemos que o cangaceiro Lampião e o cavaleiro Lancelote, mesmo distantes em questão de tempo e espaço, e principalmente ideologia, passam por motivos comuns a quase toda e qualquer vida: luta, sobrevivência, revolta, amor, medo, tristeza, alegria, talvez felicidade.

Cenários, luz e figurinos carregam nas tintas, na beleza, nos brilhos, nas mirabolantes reviravoltas, o que certamente encantará a crianças de todas as idades, assim como o texto, simples e didático, seguindo o ritmo e a temática dos cordéis, a fim de angariar menos complexidade e mais divertimento para a fábula. A condução do espetáculo é bem feita por Cassio Scapin, melhor quando tem a oportunidade de utilizar sua veia cômica, assim como o restante do elenco que, embora tenha desempenho desigual, não compromete o andamento, com menção especial para a intérprete de Maria Bonita.

Crítica: peça “No Pirex”, do grupo Armatrux, equilibra a loucura com categoria

“ – Porque eu não pude encontrar o alimento que me agrada. Se eu o tivesse encontrado, pode acreditar, não teria feito nenhum alarde e me empanturrado como você e todo mundo.” Franz Kafka

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O texto é tão bem construído através dos gestos, ruídos e arroubos das personagens que não se ouve sequer uma frase ao longo dos 60 minutos de espetáculo. Entenda-se por personagens também os objetos, figurino, cenário, que participam e interferem na peça “No Pirex”, do grupo “Armatrux”, com a mesma precisão e eloquência dos atores Cristiano Araújo, Eduardo Machado, Paula Manata, Raquel Pedras e Tina Dias, todos com um desempenho tão sublime que é capaz de enlouquecer a plateia com toda a insanidade posta em cena e fazê-la crer no absurdo do mundo: uma mera fantasia de traços góticos.

Os recursos de humor físico, sempre explorados em favor de um pensamento ou ideia reflexiva permitem ao grupo arrancar o riso fácil do público sem abrir mão da consciência crítica ou partir para a esculhambação pura e simples. A força de um cuspe, uma facada ou qualquer outra agressão mais grosseira e violenta é capturada em seu melhor ângulo, cuja amplidão e alcance não se perdem no jogo que é feito entre o banal e o extraordinário, o comum e o surpreendente, afinal um retrato da vida sem almejar a pretensa do ininteligível e nunca beirando a rasteira do golpe baixo e omisso. É um malabarismo.

Nada além de Mário Lago

“Fiz um acordo com o tempo, nem ele me persegue, nem eu fujo dele, um dia a gente se encontra” Mário Lago

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Não à toa chamam Mário Lago poeta. Além da função literária, ele desempenhava os serviços de ator, compositor, radialista e teatrólogo. Tudo com poesia. Sem mencionar que por desvios dessa vida que a gente não imagina, formou-se em advocacia, embora procurasse algumas vezes, esconder o diploma adquirido. Fonte de suas escritas eram as mulheres, Auroras e Amélias. E também o fracasso, condição existencial do homem. Por fim, nada além, Mário Lago somente poeta.

Ai, que saudades da Amélia (samba, 1942) – Mário Lago e Ataulfo Alves
Mário Lago disse a vida inteira que Amélia não era mulher submissa, mas solidária, companheira, amiga nas horas difíceis. As feministas não o perdoaram por tais liberdades poéticas concedidas: “ás vezes passava fome ao meu lado, e achava bonito não ter o que comer”. A beleza do sofrimento retratada por Mário Lago, versos, e Ataulfo Alves, música, sobre a mulher idealizada, sinalizavam na realidade a dependência da atual esposa, segundo o próprio poeta: “Você não sabe o que é consciência, não vê que eu sou um pobre rapaz, você só pensa em luxo e riqueza, tudo que você vê você quer.” Lançada no carnaval de 1942, dividiu a preferência do público com “Praça Onze”, de Herivelto Martins e Grande Otelo, e o prêmio teve mesmo destino. No entanto, “Amélia” penou para conquistar garantida sumidade na música brasileira. Foi recusada por todos os cantores as quais se ofereceu, até que o próprio Ataulfo Alves resolveu gravá-la, com a companhia de Jacob do Bandolim tocando a introdução. A trajetória da protagonista não foi das mais suaves, mas ao final, estava consagrada. E olha que Amélia existiu de verdade.

Crítica: peça “Toda Nudez Será Castigada”, com montagem da Cia. Arlecchino, mantém poder de fogo do texto de Nelson Rodrigues

“Só os profetas enxergam o óbvio!” Nelson Rodrigues

Toda Nudez - Alexandre C Mota

O texto de Nelson Rodrigues da peça “Toda Nudez Será Castigada” prevalece na montagem da Companhia Arlecchino, apresentada no Cine Brasil como uma das atrações da 40ª Campanha de Popularização do Teatro e Dança de Belo Horizonte na última sexta-feira (24). Encenada pela primeira vez em 1965, sob a direção de Ziembinski, mantém o poder de choque e desconforto sobre a platéia, em cenas que falam e apresentam uma visão cínica e debochada sobre o sexo, a religião e a família, o que leva a uma reflexão de quanto a sociedade mudou daqueles tempos para cá ou se o alvo do dramaturgo permanece inalterável: a hipocrisia e a obsessão do comportamento humano.

As máximas proferidas por Paulo Rezende, o intérprete de tio Patrício, alter ego de Nelson responsável por desmanchar qualquer convenção e alimentar o circo de fogo, e o desenrolar da história em si, pendendo para o absurdo à medida que o final se aproxima, além da habilidade em dramatizar ao grotesco as situações a partir de frases que mais as ridicularizam e tornam banais, com referência a cuecas, talco nas meias, gravata preta, e etc., servem ao intento do autor de traduzir o quanto sofrimento, prazer e morte podem reverberar na vida das pessoas de diferentes maneiras, basta um olhar ou necessidade, não estando ninguém atrelado a limites que não os do próprio corpo e pensamento.