Entrevista: Dulce Quental lança disco de inéditas com músicas antigas

“Todo mundo é parecido, quando sente dor
Mas nu e só ao meio-dia, só quem está pronto pro amor” Dulce Quental

Dulce-Quental

Dulce Quental prepara uma surpresa. Um disco de músicas inéditas com gravações antigas. Habituada ao paroxismo, a cantora de carreira espaçada retorna ao mercado fonográfico em grande estilo. Um dos motivos da ausência sentida encontra-se na incursão por outras áreas do conhecimento artístico, em especial a literatura.  “Eu gosto de escrever a beça. E acho que no futuro quando estiver cansada dos palcos irei só escrever. Tenho um livro de crônicas publicado e um romance (na ordem ‘Caleidoscópicas’ e ‘Memória Inventada’). Tudo feito de forma independente. Está por aí. Na ‘Amazon’ (empresa de vendas online). Fiquei cinco anos trabalhando nele. Mas foi muito sofrido o processo. É difícil demais escrever bem. Difícil ser simples. Ora dessas, eu volto. Estou de férias da literatura. Agora quero colocar a boca no trombone e cantar pra subir”, avisa. Como de costume, é bom não duvidar de Dulce.

“Música e Maresia” compila 11 gravações realizadas entre 1991 e 1994, período em que Quental não lançou disco, mas que mesmo assim apareceu como a compositora de sucessos da banda “Barão Vermelho”, “Cidade Negra” e de Leila Pinheiro, Simone, Anna Carolina, Roberto Frejat e outros artistas. A artista explica porque só agora a cria verá a luz do dia. “Eu sempre tive o desejo de lançar um disco com essas gravações. Estava esperando o momento certo. Mas foi preciso um empurrão de amigos e colaboradores para acontecer. A gente não faz nada sozinho. Acho também que só estou conseguindo por causa do momento da indústria. A volta do vinil. A possibilidade de um artista independente lançar seu próprio selo e distribuir diretamente através de uma plataforma digital sem o intermédio de uma gravadora”, justifica. Muitas dessas canções permanecem inéditas apenas na voz de Dulce, já tendo sido lançadas por alguns dos nomes citados acima.

Centenários 2016: Dilermando Reis tocou violão para emocionar

“De afetos imprecisos,/De repente tomados
À lua das vazantes/Num relance possessos
Possuídos/Inflamando o sentir
Recomeçando aquele, o mesmo canto.” Hilda Hilst

Dilermando-Reis

Se o Brasil é tido como o país das cantoras é porque com a força de suas interpretações elas são capazes de tomar para si o protagonismo de composições alheias. Como para os apenas letristas é difícil se destacar nesse cenário, afinal de contas a música atinge seu cume quando se desmancha do papel e torna-se etérea através de sons, tanto mais o é para seus instrumentistas. Portanto não é pouca coisa que Dilermando Reis tenha se tornado, para além do violão, uma referência da música popular brasileira e a todos que admiram o gênero. Em pouco tempo ele deixou de ocupar a estante reservada aos aficionados e especialistas para se juntar a nomes tão populares em seu período áureo como Francisco Alves, Carmen Miranda e Luiz Gonzaga. Terá contribuído para isto o estilo, ou, antes a autenticidade, tão cara ao artista.

Banda “Cordel e Prosa” encurta distâncias entre música e poesia

“- É tão bonito que voa!” Clarice Lispector

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Se fores olhar no mapa é possível que percebas que as Minas Gerais e o estado de Pernambucano não são exatamente vizinhos. Porém em outras paragens a relação vai além da cordialidade, ou melhor, alcança o cordel. Essa literatura popular e tradicional praticada, sobretudo, no Recife e em outras cidades ao interior, mas, em especial, no nordeste brasileiro, conta e canta com o apoio da prosa mineira as canções apresentadas pela banda “Cordel e Prosa”. Foi na terra de Drummond, Sabino, Pellegrino, Rosa e outros contadores de nossa rica história inventada que nossos quatro cavaleiros do apocalipse, no caso, cinco, como os mosqueteiros que eram três e, em verdade, quatro, se reuniram. Caio Coutinho e Diego Oliveira tomam conta da percussão e entoam o coro, André Varogh, também percussionista, vale-se, ainda, de violão e voz, tal qual Heitor Negão, para que Marcelo Xeeu entregue todo seu canto e poesia ao público. É um exercício de grupo para o coletivo.

Entrevista: banda “Green Morton” apresenta rock autoral sem frescuras

“o que explica a vaguidão, o brilho de vidro, em nossos olhos.” Virginia Woolf

Green-Morton

O estereótipo nunca é suficiente, mas não deixa de ser significativo que o nome da banda tenha surgido em uma mesa de bar, em meio a algumas (muitas) cervejas. A homenagem ao charlatão cujo pai homenageou o anestesista. Formada em 2011, por quatro integrantes nascidos na capital, surgia em Belo Horizonte a “Green Morton”. O guitarrista Zé Mário explica em detalhes. “Já tínhamos tido conversas sobre nomes, mas nenhum tinha agradado a todos e, depois de várias cervejas, surgiu um assunto sobre o paranormal charlatão brasileiro Thomaz Green Morton, todo mundo riu muito e um amigo nosso que estava na roda mandou ‘Green Morton é um nome bom pra banda hein?’, todo mundo riu de novo, mas adotamos o nome”, rememora.

Batizados foram atrás de mais informações, como o sujeito que consulta o horóscopo a fim de entender o significado de sua alcunha. “Carregamos um pouco de ironia em algumas músicas, então acabou encaixando. Depois descobrimos que também era o nome do inventor da anestesia, William Thomas Green Morton, e que esse era o motivo do nome do paranormal, ou seja, legal demais!”, completa Zé. Já os caminhos para o som da banda foram menos ao acaso e mais fundamentados numa ligação tanto afetiva quanto musical, sem dispensar, jamais, os mistérios intuitivos preponderantes a esta arte. Júlio D’Agostini conta como chegou à bateria. “A minha maior influência para gostar de rock foi o meu irmão, lembro, quando tinha uns 13 anos, de ir aos ensaios da banda que ele tinha com os amigos da escola”, recorda.

Crítica: cantora Juliana Cortes leva poesia ao pé da letra em “Gris”

“Exibindo

A marca de nascença como marca registrada –
Queimadura d’água, a cicatriz,
A verde-gris
Nudez do condor. Sou carne crua.
Seu bico

Me retalha: ainda não sou sua.” Sylvia Plath

Juliana-Cortes- Gris

Os gregos já estipulavam que música e poesia eram primas com suas líricas, e se eu estiver errado Machado de Assis virá ao meu socorro, afinal de contas o estilo é preponderante à precisão. Juliana Cortes leva essa relação ao pé da letra sem abrir mão para o mercado, qual seja apresenta, em seu segundo trabalho, de nome estético e sonoro, “Gris”, uma síntese bem desenhada de estilo comum à nova geração, mas nem sempre com o mesmo equilíbrio. É justo dizer que ecoam influências de seus contemporâneos tanto quanto dos que abalizaram esse tapete antes, mais precisamente a gaúcha Adriana Calcanhotto. Porém o sotaque carregado garante para a paranaense em questão própria personalidade, que se estabelece com repertório e interpretação suave.

Análise: 80 anos de Hermeto Pascoal, o bruxo da música mundial

“Calçados de bruma estão seus pés –
Seu elmo é forjado em ouro
E seu torso é um ônix inteiriço
Engastado de calcedônias.

O seu ofício é um salmo –
Seu vaguear é melodia –
Ó que vivências, para a abelha,
São o trevo e o meio-dia!” Emily Dickinson

hermeto-pascoal-musica

Na “Era de Ouro do Rádio”, sobretudo na década de 1950, era comum os artistas serem conhecidos por epítetos. Francisco Alves, o “Rei da Voz”, Silvio Caldas, “Caboclinho Querido”, Cauby Peixoto, o “Professor”, além das cantoras que eram consagradas “Rainhas”, mas que também dispunham dos seus, como Dalva de Oliveira, “Rouxinol”, e Ângela Maria, “Sapoti”, esta alcunha atribuída pelo ditador Getúlio Vargas. Embora nascido na década de 1930 e aparecido para o esplendor musical ali pela metade dos anos 1950, o alagoano Hermeto Pascoal sempre se caracterizou como um artista moderno, de vanguarda que, por isso mesmo, e ainda assim, foi capaz de receber um apelido já nos anos 1960. O “bruxo”, ou “mago”, da nossa música mundial.

Análise: 40 anos da morte de Madame Satã, símbolo da luta contra preconceitos

“Eis a noite encantada, amiga do bandido;
Ela vem como cúmplice, a passo escondido;
Lento se fecha o céu como uma grande alcova,
E o homem impaciente em fera se renova.” Baudelaire

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Trocado quando criança por uma égua, para que a mãe pudesse sustentar os dezessete irmãos que permaneceriam, Madame Satã tornou-se uma figura emblemática e contraditória na luta contra os preconceitos arraigados na formação nacional. Negro, pobre e homossexual distinguiu-se de seus pares, sobretudo, pela coragem e inconformidade. Não foram poucas as vezes que frequentou e passou longos períodos encarcerado, cujos motivos que se repetiam tinham a ver com desacato, quando não atingia a prática da violência física que resultou, inclusive, no assassinato de um policial em 1928. Neste famoso caso teria sido insultado reiteradamente por suas condições, inclusive porque Madame Satã não escondia de ninguém qual a sua preferência sexual.

Destacava-se também por outras práticas. Valente, feroz e temido na Lapa, onde passou a residir ainda jovem levando seguramente, para os parâmetros da época, uma vida de malandro, entre michês, bandidos, sambistas e prostitutas, ficou conhecido como dos mais habilidosos capoeiristas de todos os tempos, jogo que utilizava para se proteger e erguer assim sua fama. O que salta aos olhos na trajetória de Madame Satã, porém, cujo nome de batismo, João Francisco dos Santos, foi apagado diante da imagem impressionante de sua personagem, é a desconstrução de paradigmas e a união de paradoxos. Apresentando-se em cabarés decadentes, contra tudo e contra todos, teve, no peito e na raça, o mérito de se exibir travestido com roupas femininas e entoando canções lânguidas e românticas, isto num universo predominantemente machista que se fazia obedecer pela lógica da violência.

Entrevista: Coletivo A.N.A. desnuda a obra de jovens autoras

“Olhos, orelhas, nariz,
Um gris
Celofane que não fendo.
Em minhas costas nuas

Sorrio, um buda, querendo
Tudo, desejos
Caem de mim como anéis
Abraçando suas luzes.” Sylvia Plath

Foto-de-Henrique-Boccelli

Elas são 8, mas podem se dividir em duas ou expandir, como nos mostra o belo ensaio fotográfico feito por Paula Huven, em que se refletem e multiplicam. Nesse caso, mais importante do que os números são as palavras, que na trajetória do Coletivo A.N.A preponderantemente vêm acompanhadas de sons, das quais elas fazem questão de serem as donas irrevogáveis. As vozes e letras em questão, além de habilidades instrumentais, pertencem a Irene Bertachini, Luana Aires, Michelle Andreazzi, Leopoldina, Luiza Brina, Laura Lopes, Leonora Weissmann e Deh Mussulini, de quem pinçamos a última informação. “Mesmo sendo um coletivo de compositoras, até hoje vejo demais as pessoas nos divulgando como um coletivo de cantoras”, ela aponta.

O erro, certamente, não ocorre apenas por lapsos, erros de digitação ou distração, é preciso abandonar a superfície da história para tentar compreendê-lo sob ótica um pouco mais apurada. Na ativa desde 2011, o grupo pioneiro de mulheres, cuja sigla significa Amostra Nua de Autoras, pretendia dar voz e espaço para criadoras mineiras com talentos em diversas áreas, dentre elas a música, a literatura e as artes plásticas, com profissionais da atuação artística e da produção. A primeira demonstração prática que pôde ser registrada aconteceu em julho de 2014, com o lançamento do CD “Ana”, que conta com 11 faixas, direção e produção de Rafael Martini, arranjos de Joana Queiroz, Aline Gonçalves, e outros, e participações de Ná Ozzetti, Déa Trancoso, e etc.

A homossexualidade na música brasileira: da década de 30 aos anos 2000

“Mas viver como flores refletidas,
como luar,
livre de todas as possessões nos afetos” Ezra Pound

homossexualidade-musica-brasileira

Década de 30:

1- Mulato bamba (samba) – Noel Rosa:
Esse samba de 1931 é a primeira música de relevante importância para a música popular brasileira no que diz respeito à representação do homossexual. Noel Rosa a compôs como forma de homenagem a Madame Satã, famoso capoeirista e malandro homossexual da Lapa. Como já foi dito, a canção é uma homenagem e retrata o homossexual de maneira respeitosa e até com certa admiração. Interessante notar que foi feita em um meio musical (samba) e uma época (década de 30) extremamente conservadoras.

Análise: Ícone da música negra Billy Paul falou com afeto aos corações

“tudo o que é amor suave e sentimento
e pejo pintarei de rosa e negro:” Jorge de Lima

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Quase quarenta anos depois do sucesso de “Me & Mrs. Jones”, Amy Winehouse deu a sua versão dos fatos. Inspirada pela canção trocou o gênero de senhora para senhor e, como sempre autobiográfica, desabafou sobre as desventuras e cicatrizes de sua vida amorosa. Além do título similar, o suingue e a influência da música negra marcam as duas canções. Porém, a diferença se mostra mais forte na audição. Billy Paul, intérprete do sucesso de 1972 envereda pela seara romântica e oferece um canto sutil e suave à trama, enquanto Amy não nega suas raízes blues e derrama roucamente toda a voz.