Crítica: “A última vida de um gato” presta importante homenagem a Dedé Santana

“Aprendera no Circo, há idos, que a palavra tem
que chegar ao grau de brinquedo
Para ser séria de rir.” Manoel de Barros

Dedé Santana protagoniza "A última vida de um gato"

Associado eternamente ao humorístico “Os Trapalhões”, Dedé Santana não parece se ressentir disto, pelo contrário, demonstra orgulho e gratidão. Artista de circo, antes do estouro nacional fez pequenas participações em filmes como, por exemplo, “A Espiã Que Entrou Numa Fria”, ao lado do intérprete de Zé Bonitinho. Acostumado a servir de “escada” para os companheiros – ou seja, aquele que prepara terreno para que outro se consagre com a piada – na montagem dirigida por Victor Peralta com texto de Alexandre Ribondi é Felipe Cunha quem faz o “garçom” para Dedé marcar os gols. Fica claro desde o início que, mais do que propor um tema, toda a dramaturgia serve, principalmente, para reverenciar e homenagear o protagonista, tornado recentemente “Embaixador do Circo no Brasil”. Aos 80 anos no palco o ator reflete sobre morte, perdas, saudades. A construção do enredo permite que se explicitem os recursos e a qualidade dramática que, ao longo da carreira, lhe foi tantas vezes subestimada. Acerto que torna ainda mais importante este salve. “A última vida de um gato”, como supõe o título, admite que o artista está no passo final da longa caminhada, e a hora é de realizar uma justa retrospectiva.

Crítica: Peça “Nosso estranho amor” se permite a delicadeza

“Não, nunca fui moderna. E acontece o seguinte: quando estranho uma pintura é aí que é pintura. E quando estranho a palavra aí é que ela alcança o sentido. E quando estranho a vida aí é que começa a vida.” Clarice Lispector

"Nosso estranho amor" conta com músicas de Caetano Veloso

Parece fora de moda dos palcos de BH a temática do amor e suas imbricações, ainda mais quando se trata de uma relação convencional a dois, neste caso, entre uma mulher e um homem. Se a história parece repetida, a abordagem dispõe de um delicado trabalho. É essa delicadeza a que se permite que ganha maior destaque em “Nosso estranho amor”, com direção de Cláudio Dias que tece um sensível panorama das confissões – através de silêncios – dos desencontros – por meio de toques e gestos – e, sobretudo – das turbulências da paixão, de caráter tanto construtivo quanto de destruição, com uma satisfatória ilação entre dança, sentimento e sensações. A simplicidade dos objetos cênicos não impede que, criativamente, tornem-se elementos que carregam ao teatro a aura da fantasia e, principalmente, da possibilidade. Se este é o campo da imaginação aqui a liberdade tem a premência de se ofertar.

Crítica: Peça “…Ricochete!” não deixa claro aonde quer chegar

“na líquida tarde azul zanzou, sem lugar, desguiando-se,” Luiz Ruffato

Peça Ricochete tem direção e atuação de Rita Clemente

É inusitado que, embora faça referência ao título logo em sua abertura, o que suporia explicitá-lo, a peça “Ricochete” deixe escapar o seu significado. Com três pessoas em cena, nos papéis de uma mãe, um filho e um entregador de sanduíches com sua moto, além de interferências pontuais que ecoam a voz de uma atendente pelo telefone, ora vividas por um ator, ora por outro, o enredo, que procura girar em círculos como sugere a própria estrutura cenográfica, parece enredar a si próprio e, nesse contínuo movimento, perder-se mais do que encontrar alguma solução para as intenções a que se aludem. De tanto apontar para mais de uma direção nenhuma delas encontra o tempo necessário para cristalizar-se e ganhar consistência. O texto, por sua assertividade, acaba por imprimir uma pretensão que prejudica a construção das personagens, tornada frágil, e que consequentemente acarreta num irregular desempenho do trio de intérpretes. A direção também parece confusa.

Crítica: “Ensaio para senhora azul” expressa realidade líquida

“E que a chuva no meu rosto
Faça crescer tenro caule
De flor. (Ainda que obscura.)” Hilda Hilst

Ensaio para senhora azul apresenta solo de Kelly Crifer

O teatro requer coragem, e disponibilidade. No caso de “Ensaio para senhora azul” essa característica é preponderante no jogo que se estabelece entre personagem, atriz e público. No solo de Kelly Crifer a atuação se vale de enganos sem os quais seria impossível levar toda a complexidade proposta adiante. A luz é um desses truques, capaz de tornar palpável apenas através de cores as diferenças entre fantasia e realidade, exatamente o que a presença da intérprete procura misturar. No entanto, é justamente ela quem comprova a todo instante certa materialidade, a partir de uma dicção coloquial e de texto que, a despeito da conotação poética e metafórica procura afirmação frente a questões agudas e, nesse sentido, sensitivas, tanto quanto sensíveis. A dramaturgia a que se chegou com Assis Benevenuto, Kelly Crifer e o diretor Robson Vieira, tomou por base palavras dos já citados, além de Grace Passô e Viviane Ferreira, e suas passagens inspiradoras superam aquelas irregulares.

Crítica: “máquina”, da miúda cia., condensa gêneros para refletir a morte

“Não sou nada.
Nunca serei nada.
Não posso querer ser nada.
À parte isso, tenho em mim todos os sonhos do mundo.” Fernando Pessoa [Álvaro de Campos]

Espetáculo "máquina" é baseado na obra de Valter Hugo Mãe

É difícil enumerar as qualidades de “máquina”, espetáculo da miúda cia. de teatro, não pela raridade, justamente em razão da fartura. Pois é esse um espetáculo raro, a começar pelo cenário, seu maior destaque. Além da inventividade, a estrutura, a despeito de sua rigidez aparente, não bastasse o fator estético ali se coloca com a finalidade de ressaltar as emoções das personagens, devolvendo o teatro ao seu lugar de origem: o espaço lúdico da criação, do deslocamento, do brincar e da transformação – pois se coloca é um equivocado modo de dizer, a estrutura, em verdade, desloca-se e nos leva juntos. É esse movimento constante e nunca óbvio – mas que não se apresenta como mera acrobacia estética, ao contrário, interfere pontualmente na história – que permite à narrativa, também, transitar pelos gêneros que sustentam a complexa natureza humana, como o humor, a tragédia e o romance, ao refletir sobre a morte, e não apenas, abranger questões relativas a maneiras de organização política e como elas afetam diretamente as relações interpessoais. O texto, inspirado em obra de Valter Hugo Mãe, só contribui para o espetáculo.

Crítica: “Um Interlúdio: A Morte e a Donzela” é realista sem panfletar

“Também eu saio à revelia
e procuro uma síntese nas demoras
cato obsessões com fria têmpera e digo
do coração: não soube e digo
da palavra: não digo (não posso ainda acreditar
na vida) e demito o verso como quem acena
e vivo como quem despede a raiva de ter visto” Ana Cristina Cesar

Espetáculo é protagonizado por Christiane Antuña, Gustavo Werneck e Nivaldo Pedrosa

Não é raro que um espetáculo entregue o protagonismo para seus intérpretes, tanto em cinema quanto no teatro. Em relação à 7ª arte são casos clássicos a adaptação “Quem Tem Medo de Virginia Woolf?” e “Uma Rua Chamada Pecado”, com Marlon Brando e Vivian Leigh. Curiosamente, ambas oriundas do teatro. Ou talvez não seja, tão somente, um motivo curioso; bom frisar que tanto uma quanto a outra possuem textos de altíssima qualidade. Categoria que serve para abranger, certamente, “Um Interlúdio: A Morte e a Donzela” em que, a despeito da nitidez e contundência das palavras são os atores Gustavo Werneck e Nivaldo Pedrosa e a atriz Christiane Antuña quem se destacam em ambiente que oferece várias opções para contemplação: a luz atua diretamente na história, a direção sabe conjugar seus artefatos e a música sublinha toda a narrativa emocional e psicológica. Não é por acaso que se extraiu dela o nome da montagem, em referência à obra de Schubert que certamente serve para designar as duas personagens que travam ali a sua batalha: donzela e a morte.

Crítica: “Estranha Civilização”, da Cia. Absurda, aposta no risco e na fabulação

“Uma ideia absurda? Mera fantasia. Entretanto, já que nada há que não deixe algum resíduo, e como a memória afinal é uma luz que dança na mente quando a realidade é sepulta, por que não haveriam então de ser os olhos, que ali brilhavam tanto ao mover-se, o fantasma de uma família, de uma era, de uma civilização que dança sobre o túmulo?” Virginia Woolf

Estranha Civilização é nova peça da Cia Absurda

Desde o início é notório que “Estranha Civilização” insere-se entre as narrativas da contemporaneidade, não apenas em seu conteúdo, mas, principalmente, na forma. É essa certamente a grande qualidade da montagem da Cia. Absurda, que aposta no risco e na fábula, ao convidar o espectador a receber o tema de maneira indireta, por meio de uma linguagem figurada que se faz notar não apenas na maneira de reportar essa estória nada ortodoxa como, também, através de cenário, iluminação e trilha sonora, que oferece o deleite da interpretação do não menos pitoresco Tom Waits, entre outras peripécias igualmente impactantes neste quesito que é um dos destaques da atração. Infelizmente o texto não acompanha e por vezes perde-se ou até subjuga-se à ação dos atores, cuja interpretação sai prejudicada justamente por essa falha. Fica claro o potencial de todos os três em cena para alcançarem melhores resultados se lhes fossem dispostas palavras pontuais e de maior densidade.

Crítica: “A Paixão Segundo Shakespeare” apresenta texto popular e atual

“Dá-me o homem que não seja escravo da paixão,
E eu o porei no cerne de meu coração,
No coração do coração, onde eu te guardo.” William Shakespeare

Montagem de Pedro Paulo Cava une trechos de várias peças de Shakespeare

“Romeu e Julieta” é tão comum para os mineiros que virou nome de sobremesa, a famosa goiabada com queijo. O que só comprova que o clássico William Shakespeare, certamente o maior do teatro, era absolutamente popular em seu tempo. E continua sendo. É essa característica que a montagem dirigida por Pedro Paulo Cava com texto de Jota Dangelo, cuja primeira encenação ocorreu em 1995, vem a reafirmar. Sem diluir o valor das imagens e a força das palavras contidas nas obras do bardo inglês, mantendo, inclusive, muitas das vezes, a solenidade e a pronúncia original do texto, a peça consegue, com mérito, preservar o essencial ao abordar trechos específicos de “Hamlet”, “Otelo”, “Júlio Cesar”, “Macbeth”, “O Mercador de Veneza” e “Romeu e Julieta”, em que a escala de Jefferson de Medeiros para o papel do mocinho apaixonado surte um grande efeito por sua inevitável e natural dicção cômica.

Crítica: “Trilhante” percorre os caminhos da atualidade em três tempos

“o tempo que de nós se perde
sem que lhe armemos alçapão,
nem mesmo agora que parece
passar ao alcance da mão,” João Cabral de Melo Neto

Trilhante é espetáculo da Cia. Sesc de Dança

Cada vez mais tenho a impressão que o objetivo da dança contemporânea é se aproximar, além do indivíduo, da realidade. Nisso, dispensa o tom solene. Mas esta aproximação se dá no sentido de representá-la, e não imitá-la, o que nos levava, diante do balé clássico, rapidamente a associá-la à pintura figurativa. Agora seu espelho é o teatro. Pois não nos enganemos, incautos, o canto, ainda que falado, não deixa de ser canto, como a dança, mesmo que inspirada no andar, mantém sua natureza. Estamos no território da arte, sobretudo. O novo e inédito espetáculo da Cia. SESC de Dança, “Trilhante”, enfileira três apresentações de curta duração. Fica claro que “I. MEDI. ATOS”, coreografado por Joelma Barros, para além da realidade pretende abarcar o atual, e consegue, com louvas. Através, essencialmente, da luz e do trabalho do corpo de bailarinos que, aqui, mescla mulheres a homens, considera o feminismo, a tecnologia, questões de gênero, o uso de drogas, entre outras ilações possíveis, de maneira rica e vasta, sem reduzir o espectro de atuação. O figurino também contribui para que os movimentos ganhem em ressonância.

Crítica: Obra “Real”, do grupo Espanca!, procura a reflexão pelo espanto

“a beleza é o início do terror que podemos suportar” Godard

Novo espetáculo do grupo Espanca trata de episódios reais

A narrativa episódica que une temas diversos na busca de dar a eles um sentido comum foi alternativa recorrente do cinema cômico italiano nos anos 1960 e também assimilou esta brecha junto a figuras da nouvelle vague francesa. Mais recentemente, essa conduta pôde ser observada, por exemplo, no argentino “Relatos Selvagens” e há bem pouco tempo em “Código Desconhecido”, do austríaco Michael Haneke. Neste último, principalmente, o tom é muito diverso ao que os italianos propagaram mundo afora, pois trata-se de película dramática, crítica, com enfoque social voltado para as mazelas da atualidade. Pode-se dizer que “Real”, do grupo Espanca!, parte desse princípio. Constitui-se da coesão de quatro miniespetáculos, assim chamados esquetes pela curta duração e o foco em uma situação específica, cada uma delas assinada por diferentes dramaturgos que foram provocados pelos atores da companhia a criarem cenas a partir de acontecimentos recentes e reais, unidos pela violência: um linchamento, um atropelamento, uma greve e uma chacina.