O Melhor dos Anúncios “Bom Negócio”

“Uma coisa pode ser muito triste para ser crível ou muito má para ser crível ou muito boa para ser crível; mas ela não pode ser tão absurda para ser crível, neste planeta de sapos e elefantes, de crocodilos e peixes-espada.” G. K. Chesterton

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Não é de hoje que a publicidade se vale do humor. Artifício esse muito usado para situações delicadas, constrangedoras, e até enfadonhas. Não representa novidade dizer que o humor é uma das melhores linguagens para chegar até as pessoas. Porquê ao contrário da seriedade, do didatismo e do drama, a forma cômica está imbuída de sutileza. A crítica, por exemplo, a vê com bons olhos, não apenas pelo aspecto de esconderijo, mas pela facilidade de aproximação. Em via de regra, a ironia ofende menos do que o sermão. A embalagem diz tudo. E como esse é o princípio da publicidade, rola solta nas propagandas dos anúncios “Bom Negócio” com Sérgio Mallandro, Compadre Washington e outros.

Defesa da pichação como obra de arte

“Quando você faz as pazes com as autoridades, você se torna uma delas.” Jim Morrison

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Toda manifestação artística carrega em seu bojo uma ética, um conjunto de valores, do qual você pode concordar ou discordar. O importante é analisar, portanto, sua estética e conteúdo. A pichação data do período da Antiguidade, quando os muros de Pompéia eram utilizados para receber poesia, política e xingamentos chulos. Essa característica se manteve. Um dos principais elementos da pichação é a insubordinação. Esse caráter provocativo, rebelde, subversivo, transgressor, está associado, em primeira instância, à sua ilegalidade, ao combate por parte de instituições de autoridade, e à quebra da barreira entre o particular e o público, outra discussão tão comum na atual sociedade quanto a não assunção explícita de autoria, decorrente de sua desautorização. Se não fosse proibida, não teria tanto valor artístico a pichação.

ROMPIMENTO DA ORDEM
A pichação não pede licença, não faz acordos ou concessões, ela invade. O roqueiro Jim Morrison afirma numa das mais célebres frases: “Sempre me fascinaram os ideais que pregam a rebelião contra a autoridade. As noções de rompimento e desestabilização da ordem também me seduzem”. O que contém essa atitude de irreverência, além de sua óbvia irresponsabilidade, é o questionamento de um modelo de imposição de regras, fôrmas, limites, e, sobretudo, verdades. O contexto em que a pichação se insere, e, em última análise, os locais em que aparece, vão ao encontro da noção contemporânea e moderna de arte, de que esta não deve estar num pedestal, além da vida, mas no meio de suas entranhas, no olho do furacão, imersa, na rua, no muro, no lixo.

10 músicas do Brasil para o “panelaço”

“Eu não quero você nem pra pegar na alça do meu caixão…” Panela e Garrafão

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Quando a presidente eleita com 51% dos votos discursava no “Dia da Mulher”, panelas foram ouvidas nos bairros mais ricos das capitais. O intento era de provocar bramido, ruído, incômodo, e sobretudo protestar contra as palavras de Dilma Rousseff. Essa anedota, como se constata, aconteceu no Brasil. Não obstante o conteúdo pouco consistente e em muita medida falacioso e ridículo da presidenta, há de se notar uma característica primária e preconceituosa no ato de alguns “paneleiros”. Por isso chamamos à roda aqueles que souberam protestar, acariciar ou bramir com maior elegância. Através da música brasileira. Panela cheia, vazia, velha ou do diabo, todas com a garantia e o selo da arte.

Crítica: grupo de dança “Sarandeiros” investe na descrição do folclore

“Voltei, Recife, foi a saudade que me trouxe pelo braço,
Eu quero ver novamente ‘Vassouras’ na rua abafando,
Tomar umas e outras e cair no passo” Alceu Valença

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É com alegria e gestos expansivos que o grupo mineiro de dança “Sarandeiros” apresenta o espetáculo “Coup de Coeur”. O título, alusivo ao prêmio de destaque do público recebido no Canadá em 2014, denota um certo olhar estrangeiro, o que justifica a escolha pela caricatura, outra arte tão popular quanto o folclore. Figurinos e cenário, além da presença de um apresentador, seguem nesse estilo. Em tradução literal, trata-se de “Golpe no Coração”.

Não por acaso as canções e a coreografia recebem a levada do axé, ritmo nascido na Bahia que, ao se apropriar de manifestações típicas e históricas da música e da religião, como o samba de roda, o merengue, o maracatu e o candomblé, entre muitos outros, criou uma designação pop, largamente assimilada pela indústria, e por isso bastante alicerçada numa noção mercantil. Os números são executados por uma banda ao vivo.

Crítica: musical “Samba, Amor e Malandragem” aposta no som e na caricatura

“Deixa a praça virar um salão, que o malandro é o barão da ralé…” Chico Buarque

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O Brasil é um país prodigioso na caricatura, e como tudo o que é legitimamente popular, ou seja, ascende desta classe numerosa para a mínima, foi logo taxada por nossa pretensiosa “elite intelectual” como uma “arte menor”. Daí a similaridade com o samba, combatido porque associado à malandragem, quando tinha para a classe dominadora sinônimo de bandido. Tais relações políticas também aparecem no espetáculo dirigido por Kalluh Araújo, que atua e dá conta dos figurinos e cenário. Este, aliás, parece inspirado no tradicional “Bar do Lucas”, na capital mineira. Outra constatação que atenta para o fato é a utilização do nome do lendário garçom Olympio, interpretado, de forma cativante, por Luiz Gomide.

Se o princípio da caricatura é exagerar no traço, ou seja, carregar na tinta afim de extrair o riso, pelo caráter prioritariamente satírico que sempre teve, fica claro que atende melhor ao espetáculo nos momentos de humor. Boas risadas também resultam do talento para o improviso, especialmente do protagonista vivido por Jefferson de Medeiros. O batismo escolhido, aliás, leva a outra apropriação, desta vez do famoso Vadinho de “Dona Flor e Seus Dois Maridos”, obra literária de Jorge Amado recontada no cinema, no teatro e na televisão com enorme sucesso. Quando usada para emocionar, no entanto, a caricatura resvala no melodrama e perde o poder de crítica dos costumes. Fica conformada, como se sublinha-se os estereótipos.

Crítica: “Sombras: Toda Vaca Tem Nome Próprio”, fica no título

“A libertinagem é contraditória: busca simultaneamente a destruição e a ressurreição do outro. Como castigo, o parceiro não ressuscita como corpo e sim como sombra. Tudo o que vê e toca o libertino perde realidade. Sua realidade depende da de sua vítima: só ela é real e ela é só um grito, um gesto que se dissipa. O libertino converte em fantasma tudo o que toca e ele próprio se torna sombra entre sombras.” Octavio Paz

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A explosão e a intensidade que poderia se esperar do espetáculo “Sombras: Toda Vaca Tem Nome Próprio”, fica no título. À parte a entrega sincera do trio de atores, Raquel Dutra, Raquel Lauar e Rodrigo Mangah não escapam à superficialidade. As personagens emergem rasas de um cenário vívido e bem cuidado, mas que, assim como a discreta iluminação, não é capaz de superar o texto recheado de clichês e a direção idem, ao optar pelo didatismo.

Com a cena montada à essa maneira torna-se impossível não soar melodramático, piegas, com um roteiro que falha tanto na tentativa de emocionar quanto na de parecer inventivo, novo. A autoria da peça pertence ao dramaturgo argentino contemporâneo Héctor Oliboni e chega pela primeira vez ao Brasil.

Crítica: “Se essa rua fosse minha” é indescritível

“Nessa rua, Nessa rua Tem um bosque. Que se chama, Que se Chama solidão. Dentro dele, Dentro dele Mora um anjo. Que roubou, Que roubou Meu coração” Domínio Público

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…Ao me apresentar na porta do teatro, o segurança, Serjão, de terno preto e gravata vermelha, mostra no celular a foto dos caçadores de tesouro. Um disco voador sobre a cabeça dos três deve roubar minha atenção. Macaxeira chegou procurando a igreja. Caçoou da barba ruiva de um senhor a meu lado. O rosto todo sujo não esconde a faísca nos olhos. Duas bolas pretas como a casca de um besouro. Macaxeira pode parecer um desenho, uma mancha, um borrão, mas é real. Sei porque belisca a bunda enquanto tenta se desvencilhar do assédio de Mandioca. Ralha, zanga com o moribundo. Está cansada. E ele está morto. Mas quem sou eu para apontar o dedo e desmanchar as coisas inexistentes? – Lá fora um policial vigia –

Ela imita a si e a outros três tipos bestas, um pior do que o outro. Lembro-me do artista Wolinski, assassinado por terroristas: só é possível uma arte de esquerda. Se ele não disse, disseram que disse. E fica tudo por isso mesmo. Rilke, um alemão, afirma não ser possível dizer nada sobre obras de arte, que carregam o quase “indizível”. E se Macaxeira é uma artista maior do que Shakespeare, quem sou eu para desmenti-la? Quem somos nós, os inexistentes? Na festa de casamento, revira os copos à sua maneira. Num: o arroz. Noutro: está vazio. Tudo mentira. À Igreja. À Indiferença. Ao Governo de Merda. Assassino. Dona Clara (Luz no fim do túnel: que expressão mais batida – como bonita é a luz de um trapo de vida; algo de um manoel de barros?) corta os cabelos puídos. Não podem ser como de Jesus pois estão cheios de piolhos. – Piolhos no cu – AMÉM

Análise: Quando a música sertaneja tinha Milionário e José Rico

“Nesta longa estrada da vida, vou correndo e não posso parar…” José Rico & Milionário

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Certamente hoje rola mais dinheiro. Mas quando a música sertaneja tinha Milionário e José Rico essa era dotada de uma outra riqueza. Sem nunca negar o caráter popular e populista em muitos momentos, o cenário esbanjava algo que atualmente é quase impossível de achar, nos mais variados segmentos da nossa cultura: autenticidade, pureza. Antes da indústria se apropriar, essas manifestações eclodiam nos recônditos e recôncavos brasileiros sem precisar confundir qualidade com rebuscamento ou simplicidade com o banal.

Agora, pretensos artistas são fabricados desde o início em geladeira, e emergem para o mundo do entretenimento como parte do cordão umbilical deste, com direito a testes laboratoriais e cartilha de comportamento, sem nunca terem expressado uma realidade e um povo de origem. São meros artefatos e artifícios plastificados, vazios, e por isso mesmo serão descartados com a agilidade compulsiva. Como neste vício, o que importa é o acúmulo, independente da substância, até porque estes têm muita embalagem, mas o conteúdo é nulo.

Análise: Sr. Spock, a força de uma marca

“Desculpa, não entendo piadas humanas.” Spock

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Mussum, Seu Madruga e Che Guevara têm algo em comum. Assim como o símbolo do movimento hippie. Todos se tornaram marcas tão fortes que a indústria logo se apropriou e espalhou suas imagens em ímãs, camisas, cervejas. Outro deste clã é o Sr. Spock, personagem da série “Star Trek”, ou “Jornada nas Estrelas”. Você pode nunca ter ouvido falar dele, mas certamente entenderá se alguém lhe fizer o gesto com a mão em riste e os dedos separados, formando um V no meio. Embora não seja exatamente cômico ou revolucionário como os outros, o personagem aspirava a ambas.

Interpretado por Leonard Nimoy na televisão e no cinema, sua contribuição ao mundo do entretenimento é um pouco diversa. A semelhança é que, sustentados por uma enorme popularidade, todos se transformaram em cult, essa expressão para denominar o que era banal e tornou-se elegante. A diferença é que Spock sempre foi ídolo de uma parcela a que hoje se atribui a alcunha nerd. Mas em seu tempo de aparecimento, a década de 1960, o tema da viagem espacial cativava um público mais abrangente. Já com a franquia encerrada, o Vulcano apareceu em capítulos de “The Big Bang Theory”, “Simpsons” e “Futurama”.

Crítica: espetáculo de dança “Entre o céu e as serras” bule linguagens mineiras

“E diante da boca do inferno; árida planície
e duas montanhas;
Sobre uma delas, uma forma fluente,
e outra
No tornear do outeiro; em aço rijo
O caminho como uma lenta espiral de parafuso,
O ângulo quase imperceptível,
de modo que o circuito parecia árduo de seguir;
E a forma fluente, despojada, Blake,” Ezra Pound

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Os movimentos de luz são uma personagem à parte no espetáculo “Entre o céu e as serras”, e olha que concorrer com os bailarinos da “Companhia de Dança do Palácio das Artes” não é fácil. Estes se amalgamam e dissolvem, sem prejuízo para nenhuma das partes. Há uma relação de cumplicidade, como nos amantes das pinturas do austríaco Egon Schiele, unidos por uma força carnal e divina. A vida é símbolo. Os envolvidos nesse projeto ambicioso de recontar a história da criação das Minas Gerais entendem.

As cores, de terra batida, e as cantilenas místicas evocam a nossa origem barroca, a sensação de pertencimento. Somos puxados pra dentro. Por linhas tortas anunciam rios, baldeações, ouro, sangue. Não fica claro se a mão de Deus ou o contorno dos corpos: passa o movimento; elidem palavras de origem. O tempo atua de maneira direta na narrativa. A linguagem oscila. Da sensualidade. Do escárnio à religião. Da violência. Da tradicional família. Mas, sobretudo, há uma alegria. A dança típica remonta a memórias. Ao sono doce da lembrança.