Crítica: espetáculo “Dente de Leão”, do grupo Espanca!, erra e acerta no deboche

“O jovem, justamente por ser mais agressivo e ter uma potencialidade mais generosa, é muito suscetível ao totalitarismo. Eu só me acho parecido comigo até os dez anos e após os trinta. Eu já era o que sou quando criança. Na adolescência eu me considero um pobre diabo, uma paródia, uma falsificação de mim mesmo. Por isto, digo aos jovens: não permaneçam muito tempo na juventude que isto compromete.” Nelson Rodrigues

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Os “ares de superioridade” que caracterizam a adolescência acabam por contagiar os envolvidos na peça “Dente de Leão”, uma montagem do grupo “Espanca!” com texto de Assis Benevenuto e direção de Marcelo Castro. Em ambas as funções fica nítida a ambição pela originalidade. Não é fácil abordar, no teatro ou em qualquer outra arte dramática, esse período da vida, sobretudo pela tendência ao piegas e à demagogia, mas ao comprar esse ideal juvenil sem ressalvas, ou até certa reserva, o próprio espetáculo se ressente de um senso crítico mais apurado e menos moralista. Embora na forma de perguntas, as principais interlocuções das personagens denotam mais certezas do que dúvidas, o que os leva ao inevitável didatismo que aspiram combater. Dentre as discussões aludidas, destaca-se a da representação.

Jogos de Amor

“A fidelidade é para a vida emotiva o que a coerência é para a vida intelectual: simplesmente uma confissão de insucessos. Uma falta de imaginação.” Oscar Wilde

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Dois amigos maquinam as estratégias em meio a pesos e algumas modéstias. Moedas.
Começa o jogo:
“Quando o seu cel phone tocar, não atenda! Espere a próxima ligação. Faça-se de bobo (partindo-se do pressuposto de que ainda não o é).”
Lição aprendida, lição dada : dissimulação.

Duas amigas maquiam as peripécias em meio a blushes e algumas sonecas. Bonecas.
Ainda o jogo:
“Não corra, não vá, não se mova, não olhe pra trás. Cultive esse seu belo jardim, para que a borboleta venha e pouse em paz.”
Lição dada, lição aprendida: poesia contemporânea.

“Uma fé como uma guilhotina, tão pesada e tão leve.” Franz Kafka

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A gente só percebe que Deus existe quando não precisa mais dele.
Chegando em casa, madrugada, após mais uma noite num bar, com as mesmas pessoas, a mesma cerveja, o mesmo cansaço e a vida.
“Havia tristeza, orgulho e audácia.” Clarice Lispector.
É preciso. Dor e solidão.
A alegria plena, extasiada, completa, que enche bochechas e dentes, que incha, sem o menor brilho, não me interessa.
Vive perto da ignorância vazia.
Não a ignorância sutil, inocente, que nos surpreende. Mas a que faz o caminho dos que se perderam na submissão.
Aquela que esconde de si mesma os sentimentos e orgulhos. E do mundo.
É preciso. Saber rir. Fazer rir. Com humor quente e sorriso simples.
Sem a frigidez de quem ri de tudo sem esquentar a garganta.
É preciso. Dar o nó. No sapato, na gravata e no paletó. Mas principalmente na garganta.
Quem não tem nó na garganta, com nada, se espanta.
É preciso. O canto sôfrego de amor e desejo. Esbarrando nas quinas.

Análise: Jacques Rivette filmou o mistério da vida

“E se Marietta
Não tivesse posto o vestido de sua avó
Poderia ter subsistido, um mistério. Se Dolores
Não tivesse posto um chapéu com formato de peruca
Poderia ter permanecido exótica.
(…), e não se importava com charutos fortes.” Ezra Pound

Jacques-Rivette

O cinema de Jacques Rivette é o do tempo da reflexão, logo não deve assustar a duração de seus filmes. O mais modesto obedece às clássicas duas horas, e o mais extenso chega à incrível marca dos 720 minutos, ou doze horas. Sem abrir mão do rigor estilístico aprendido na época em que dirigiu e participou da famosa revista “Cahiers du Cinéma”, ao lado dos não menos célebres Jean-Luc Godard, François Truffaut, Éric Rohmer e outros nomes fundamentais da “Nouvelle Vague”, Rivette conseguiu se destacar de seus pares ao criar estilo que une o aspecto investigativo de Claude Chabrol à teatralidade de Alain Resnais. O que interessava a Jacques, além de desprender as amarras sociais com ácida crítica, era ir ao âmago, e com isto alcançar o mistério da vida.

Rosa dos Ventos

“O vento assovia de frio
nas ruas da minha cidade
enquanto a rosa-dos-ventos
eternamente despetala-se” Mario Quintana

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Centros culturais espalham-se no Brasil. Entre os espalhados, amontoados, aqueles que carregam no sobrenome a alcunha de favelados.

Centros culturais oferecem atividades que a escola deveria oferecer. Mas não há escola por aqui.

Pois se a escola muitas vezes deturpa, aqui deturpados são sem escola e sem oração.

Vemos aqui sujeitos no palco, da vida e do teatro. Sujeitos na pista, de dança e de corrida. Música para os ouvidos, mente e coração.
Tudo se une, se amontoa, espalha.

O palco invade a pista, que invade a cabeça que liga direto ao coração dos que assistem e participam.

É uma iniciativa fundamental para o país. Merece louros e aplausos. Surgida por conta da mais pura necessidade, da falta total, do abandono, da exclusão.

A Música & a Dança de Lennie Dale

“Mais: que ao se saber da terra/não só na terra se afinca
pelos troncos dessas pernas/fortes, terrenas, maciças,
mas se orgulha de ser terra/e dela se reafirma,
batendo-a enquanto dança,/para vencer quem duvida.” João Cabral de Melo Neto

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Quando chegou ao Brasil, no início da década de 1960, trazido pelo produtor e diretor Carlos Machado para compor a coreografia de “Elas Atacam Pelo Telefone”, o ítalo-americano Lennie Dale, nascido Leonardo La Ponzina na periferia de Nova York; já desfrutara de relativo sucesso na terra natal. Era uma promessa cujo gênio ameaçava, desde cedo, as estruturas vigentes. Integrante do musical da Broadway “Amor, Sublime Amor”, foi barrado pelo diretor Jerome Robbins para a versão cinematográfica. Não deu outra, sem pensar duas vezes carregou as malas cheias de collant e brilho para Londres e passou a ensaiar em uma sala alugada com as portas abertas a fim de exibir seu rebolado.

Daí foi um pulo para participar de programa na televisão italiana com a presença do astro da dança e das telonas Gene Kelly e, logo em seguida, da coreografia do filme “Cleópatra”, protagonizado por ninguém menos que Elizabeth Taylor, de quem se tornou amigo e guardou histórias saborosas para contar entre os mais próximos. Anos depois, também encantou Liza Minelli, e a dirigiu em espetáculos. Tudo isso antes de desembarcar em terras brasilis. O que lhe deu mais do que a cancha necessária para fomentar o estilo de dança da bossa nova, e influenciá-la até no jeito de cantar. Ao registrar dois discos valia-se de estribilhos rítmicos e sonoros para compensar a ausência de voz.

Crítica: peça “O Marido da Minha Mulher” sustenta papéis consagrados

“As noivas modernas preferem conservar os buquês e jogar seus maridos fora.” Groucho Marx

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Datada de 1987 a peça “O Marido da Minha Mulher” conta a história linear do homem que morre em um acidente e volta para atazanar a vida da viúva, do amigo e de um potencial desafeto. Com mudanças pontuais no enredo que contextualizam e se valem de bordões e situações contemporâneas e simpáticas ao espectador da cidade, o período de lançamento do espetáculo tem muito a nos dizer sobre ele. Os quase 30 anos em cartaz são parte importante para analisar o nível de transformação social que ocorreu no país, e, preponderantemente, a falta de uma política efetiva de educação e incentivo à cultura, que a modificasse na essência, não a que se atém às suas margens.

O texto de Sérgio Abritta, que também dirige, reforça e sustenta papéis consagrados na sociedade brasileira, em que o machismo e a homofobia, além de costumes de praxe, eram práticas comuns e bem aceitas, referendadas entre todas as classes. Se naquela época a história já buscava afrouxar e modificar esses estereótipos, para os tempos de hoje eles soam ainda mais inconvenientes e conservadores. Nesse sentido, o riso que desperta soa como um assentimento da montagem a esses papéis outrora bem mais estabelecidos. Há um sentido moral da peça que representa nichos ainda bastante protuberantes na sociedade moderna, e que se incomoda de ter que dividir cada vez mais espaço com as novas tendências.

2 marchinhas para o Carnaval de BH – 2016

“Me chame Baco ou Rei Momo
Do balacobaco eu tenho o trono
Mas se você quer ser mais direto e natural
Pode me chamar de Carnaval” Péricles Cavalcanti

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Vem aí o Carnaval de BH versão 2016, e para animar a folia apresentamos 2 marchinhas inéditas; uma de teor político, relembrando a velha prática satírica que teve e ainda tem como pano de fundo (ou principal) nossas sempre simpáticas, e ousadas, autoridades; a outra, de teor romântico, trazendo de volta à tona outra tradição brasileira, a de fazer troça do próprio sofrimento, e transformar a desilusão amorosa num motivo para deboche, ironia, e claro, aproveitar para rogar aquela praga em quem nos deixou de coração partido. Divirtam-se!

Marchinhas gravadas no Liquidificador Estúdio, em Belo Horizonte, no dia 22 de janeiro de 2016.
Voz – Giselle Couto / Violão – André Figueiredo / Técnico de som: Marcos Frederico / Produção: Raphael Vidigal

Análise: Ettore Scola trouxe cinema de magia e sonho

“O cinema é um espelho pintado.” Ettore Scola

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Herdeiro do “Neorrealismo Italiano”, Ettore Scola acrescentou a comicidade sem eliminar a tragédia de seus romances. Sim, porque a narrativa do diretor manteve fortes ligações com esse estilo clássico, como o profundo afeto por suas personagens e o idealismo transformado em mágica. De maneira geral, o sonho, a poesia e a ilusão foram o tema central da obra de Scola. Adepto das grandes histórias e de cenários povoados, o cineasta foi mestre em captar o detalhe e tecer, através de uma delicada colcha de retalhos, uma linha harmônica, mas não óbvia, que ao mesmo tempo unia e separava deleites e dificuldades, aproximando o espectador, porém se mantendo no domínio das situações.

Contemporâneo de Pasolini, Godard, Truffaut, Éric Rohmer, Antonioni, Fassbinder e muitos outros, Scola pertenceu, no auge de sua maturidade artística, ao período discriminado por críticos como “Cinema de Autor”, e sem dúvida é possível assimilar sua marca em filmes como o musical “O Baile”, inteiramente mudo, “A Janta”, protagonizado por Fanny Ardant, o épico “Feios, Sujos e Malvados”, que lhe valeu a consagração como melhor diretor em Cannes, e tantos mais. Pois a capacidade em transitar do protagonismo da trilha sonora à de uma atriz, apenas reafirmava seus muitos recursos, voltados para contar uma história, em que a linguagem era auxiliar do conteúdo, e não sua carrasca.

Crítica: peça “Ignorância”, do grupo Quatroloscinco, denuncia estado de violência das relações

“Édipo não sabia que dormia com a própria mãe e, no entanto, quando compreendeu o que tinha acontecido, não se sentiu inocente. Não pôde suportar a visão da infelicidade provocada por sua ignorância, furou os olhos e, cego, deixou Tebas. (…) O homem é responsável pela própria ignorância.” Milan Kundera

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Dividida em esquetes, a peça “Ignorância”, do grupo Quatroloscinco, também partilha seus integrantes, tendo Assis Benevenuto e Marcos Coletta a cargo do texto correto e da segura direção, e Italo Laureano e Rejane Faria na atuação, com performances dignas de aplausos. A linguagem buscada é a da representação marcada, antinatural. Encenado pela primeira vez em 2015 o espetáculo aborda situações contemporâneas de olho na origem, ao que parece ser seu grande trunfo. A cenografia de Eduardo Andrade e Cristiano Cezarino interfere, com méritos, diretamente na montagem. A iluminação de Rodrigo Marçal também dá seus recados. Já o figurino proposto por Lira Ribas cumpre a função de igualar os atores no palco. A trilha sonora do “Barulhista” causa o incômodo pertinente.

As cenas que se desenvolvem entre a introdução e o fechamento da peça se destacam no conjunto da obra. Na primeira delas a originalidade na distribuição das representações tem algo a nos dizer sobre os papéis sociais desempenhados, e evoca, ainda, sem o caráter da cópia ou repetição, os ecos de “Deus da Carnificina”, da dramaturga Yasmina Reza levada ao cinema, em 2011, pelo diretor Roman Polanski. Na segunda, a comicidade alivia a violência do diálogo. De tom predominantemente sarcástico, o enredo busca denunciar, em suma, esse estado de violência das relações, disfarçado pela aura da civilidade e do ato, quase constante, de “lavar as mãos”; a trágica indiferença.